Als Trevor Horn in den späten 1970er Jahren Plattenproduzent wurde und bereit war, eine der markantesten und unwiderstehlichsten Klangsignaturen der 1980er Jahre zu schaffen, hatte er auf die eine oder andere Weise die perfekten Voraussetzungen gesammelt, um ein moderner Produzent zu werden.
1949 geboren, war er im perfekten Teenager-Alter, um in den frühen 1960er Jahren zum Beatles-Fanatiker zu werden und sich von der Musik vereinnahmen zu lassen. Nachdem er als Teenager seinem Bass spielenden Vater in Tanzbands gefolgt war, trat er als Bob-Dylan-Imitator auf und begann mit 19 Jahren, als er erkannte, dass ein Tagesjob nichts für ihn war, ein Leben als professioneller Musiker. Seine Fähigkeit, als Bassist vom Blatt zu lesen, bedeutete, dass er sowohl für Live- als auch für Session-Arbeiten sehr gefragt war, und während er in Aufnahmestudios arbeitete, entwickelte er eine Liebe für diese Umgebung sowie für die sich schnell entwickelnde Technologien und die Möglichkeiten, die sich damit ergaben. Das Aufnehmen ersetzte allmählich das ständige Touren als sein Hauptziel, obwohl es einige Zeit dauerte, bis er begriff, dass er eigentlich Produzent werden wollte.
Als er in Leicester lebte und zu arm war, um lokale Studios zu mieten, um mit der Produktion zu experimentieren, baute er zusammen mit einem Freund sein eigenes, relativ anspruchsvolles 8-Spur-Studio. In dem Bemühen, Aufträge zu bekommen, nahm er Demos für lokale Musiker auf und produzierte einen Fußballsong für Leicester City. Man machte ihn darauf aufmerksam, dass er produzierte, und das schien seinem Temperament zu entsprechen – mit Musikern, Geräten und Songs zu arbeiten, alles zusammenzutragen, Maschinen und Personal, und nebenbei herauszufinden, wie man eine Platte macht. Wenn möglich, eine großartige.
Weitere notwendige Erfahrungen mit Musik und der Musikindustrie sammelte er, als er als Bassist bei der Disco-Queen Tina Charles, der britischen Gloria Gaynor, die in den 1970er Jahren die Charts anführte, zum musikalischen Leiter befördert wurde. Dies führte zu Begegnungen mit ebenso zukunftsorientierten Musikern wie Hans Zimmer und Thomas Dolby, und in den späten 1970er Jahren gründete er zusammen mit Geoff Downes die Buggles – frustriert davon, für andere Künstler zu arbeiten, beschlossen Horn und Downes zusammen mit Zimmer und einem anderen musikalischen Reisenden, Bruce Woolley, selbst Künstler zu werden. Sie erfanden ihre Vorstellung von einer idealen Popgruppe aus der Zukunft, den Buggles, eine leichte Verzerrung des Namens von Horns erster Lieblingsband, den Beatles.
Jahrelange Erfahrung auf der Straße und ständiges Ausprobieren in Aufnahmestudios und beim Einsatz von Elektronik flossen in ihren akribisch zusammengestellten und vorausschauenden ersten Hit “Video Killed the Radio Star” ein. Der Song, der bereits den technologischen Ehrgeiz und Perfektionismus zeigte, für den Horn später bekannt werden sollte, wurde von einer 1960 veröffentlichten Geschichte von J.G. Ballard, The Sound-Sweep, inspiriert, in der es um einen Opernsänger geht, der vom musikalischen Fortschritt überholt wird und in einem trostlosen Aufnahmestudio lebt. Es war die erste britische Nummer-Eins-Single für Chris Blackwells legendäres Plattenlabel Island und schuf seine eigene Geschichte – seine eigene Zukunft -, indem es im August 1981 das erste auf MTV gespielte Video wurde und dadurch eine neue Welt des Pops eröffnete.
Eine kurze, problematische Zusammenarbeit mit den Prog-Rock-Legenden Yes und das Fehlen eines Nachfolgers für den großen Erfolg der ersten Buggles-Single veranlassten Horn, sich wieder der Produktion zu widmen. Er verwandelte das Light-Pop-Duo Dollar, indem er es als Ableger von Kraftwerk inszenierte. Darüber hinaus sticht seine bahnbrechende Arbeit mit dem Sex Pistols-Manager und kulturellen Eroberer Malcolm McLaren am Duck Rock, einer Mischung aus Proto-Hip-Hop, frühem Sampling und abweichender Weltmusik heraus. Außerdem war er ein konzeptioneller Partner von Brian Enos und David Byrnes My Life in the Bush of Ghosts.
Seine hyper-glamouröse Hi-Tech-Produktion des Debütalbums The Lexicon of Love der Sheffielder Pop-Stilisten ABC im Jahr 1982 machte Trevor Horn zum gefragtesten Produzenten seiner Zeit, der auf einzigartige Weise modernste Elektronik, Live-Instrumente, orchestrale Arrangements, Tanzrhythmen und die neue Kunst des Samplings zu kombinieren wusste.
Horn, der schon immer gerne Welten erschaffen und sich möglicherweise unmögliche Pop-Fantasien ausdenken wollte, übernahm zusammen mit seiner Managerin und Ehefrau Jill Sinclair die berühmten Island Studios von Chris Blackwell im Westen Londons, die für klassische Platten von Bob Marley, Free, Led Zeppelin, den Rolling Stones und Roxy Music verantwortlich waren. Umbenannt in Sarm, wurde es auch zur Heimat des innovativen Plattenlabels Zang Tuum Tumb und zur Spielwiese einer klassisch-futuristischen Hausband, Art of Noise, mit Musikern, Arrangeuren, Ingenieuren und Technikern, die Horn bei den ABC- und McLaren-Alben eingesetzt hatte. Es war auch das bevorzugte Studio von Leuten wie George Michael und den Pet Shop Boys.
Der unerbittliche Perfektionist Trevor Horn und ZTT wurden 1984 zu einer sensationellen Hitmaschine mit einer rekordverdächtigen Serie von millionenfach verkauften Platten von Frankie Goes To Hollywood, darunter das berüchtigte “Relax” und das apokalyptische Pop-Epos “Two Tribes”.
Mit der postmodernen musique concrète von Art of Noise und den düsteren Pop-Hits von Deutschlands “Abba aus der Hölle”, Propaganda, hatte das Label 1984 jede Woche bahnbrechende Singles in den Top 30, und Horn kehrte auch als Produzent zu Yes zurück, wobei er die Art of Noise-Sounds nutzte, um eine neue Art von Prog-Tech-Sound und eine unwahrscheinliche amerikanische Nummer eins, “Owner of a Lonely Heart”, zu schaffen.
Eine der erhabensten Errungenschaften von Horn und ZTT, die Technologie und Geist miteinander verbanden, war “Slave to the Rhythm”, das sich um die ursprüngliche Grace Jones drehte, wobei Horn Musiker, Studiotechniker und andere Mitarbeiter einsetzte, mit denen er von den Buggles bis zu ZTT zusammengearbeitet hatte. Es bestätigte ihn als extremen Meister des Aufnahmestudios, mit einem unvergleichlichen Talent, das Beste aus Studio, Song und Sänger herauszuholen.
Horns inspirierte, langjährige Partnerschaft mit Seal, die in den 1990er Jahren auf dem ZTT-Label mit dem seltsamen, betörenden Swing von “Crazy” begann, ist der ultimative Beweis für sein Engagement, großartige Platten zu machen, indem er immense Aufmerksamkeit für Details mit der Schaffung von Umständen für außergewöhnliche Gesangsleistungen verbindet. Aus diesem Grund haben Sänger wie Godley und Creme, Rod Stewart, Tina Turner, Tom Jones, Robbie Williams und John Legend – und, was seine Vorliebe für das Unorthodoxe unterstreicht, Stuart Murdoch von Belle and Sebastian – in den letzten Jahrzehnten mit ihm zusammengearbeitet und einige ihrer besten Gesangsleistungen abgeliefert.
In seinem fünften Jahrzehnt als Produzent ist es diese anhaltende, unaufhaltsame Faszination für die Geheimnisse des Studios, des Songs und des Sängers, die zu Echoes – Ancient and Modern geführt hat. Horn erforscht immer noch, was ein großartiger Popsong ist und wie er im Studio entsteht, er sucht immer noch genauso enthusiastisch nach Geheimnissen und Erkenntnissen wie vor 50 Jahren in seinem selbstgebauten Studio in Leicester. Er arbeitet immer noch daran, herauszufinden, was ihn an Sängern reizt.
“Ich liebe es, Menschen singen zu hören. Ich liebe es, Sänger aufzunehmen und ihnen zu helfen, so gut zu klingen, wie sie können. Das ist der Grund, warum ich das schon so lange mache und es immer noch tun will. Es gibt mir das Gefühl, nützlich zu sein. Für mich ist der beste Weg, einen Track besser klingen zu lassen, die Stimme. Die Instrumente erledigen sich von selbst, aber wenn man sich Zeit für die Vocals nimmt, kann man einen Song wirklich einzigartig machen. Dort beginnt und endet alles.”
Echoes ist der Nachfolger von Trevor Horns Reimagines the Eighties aus dem Jahr 2019 und bringt die Liebe des Produzenten zum Popsong zum Ausdruck, indem er Popsongs produziert, die er liebt, und eine betörende Mischung aus Stilen und Klängen mit Sängern schafft, mit denen er bereits zusammengearbeitet hat – Seal, Tori Amos, Marc Almond, Steve Hogarth von Marillion, Billy Idol – sowie mit einigen, mit denen er es nicht getan hat – Iggy Pop, Rick Astley, Lady Blackbird, Toyah Wilcox.
“Ich habe nicht aufgegeben, die Platten anderer Leute zu produzieren, aber es ist einfach schwer, etwas zu finden, das den Aufwand wert ist, den ich früher betrieben habe. Es ist eine andere Zeit, und ich befinde mich in einer anderen Phase meines Lebens. Es ist ein Album von mir, als eine Art Autor, aber mit anderen Interpreten. Ich bin der Künstler, der andere Künstler beauftragt, anstatt dass sie mich engagieren. Die Produktion dieses Albums gab mir Probleme, über die ich mich Gedanken machen konnte, ohne in ein kompliziertes, zeitaufwändiges Projekt verwickelt zu sein, bei dem ich für die Karriere von jemand anderem verantwortlich bin. Ich bin immer noch besessen von einer Stimme, einem Song, einer Produktion, einem Mix, aber nicht mehr in dem Maße wie früher, als noch mehr auf dem Spiel stand.”
Das Album präsentiert den Trevor Horn-Sound, der sich im Laufe der Zeit entwickelt hat, so wie er jetzt ist.
“Die erste Idee war, weniger orchestral zu sein als Reimagines, viel minimalistischer. Am Ende habe ich gemerkt, dass ich keine abgespeckten Coverversionen mag, sie können zu offensichtlich und formelhaft wirken. Wenn man jeden dieser Songs auf eine ähnliche, minimale Art und Weise interpretieren würde, würde es wie ein Gimmick wirken, vor allem wenn es von mir kommt. Das ist einfach nicht mein Ding. Ich war mehr daran interessiert, etwas Neues in Songs zu finden, die größtenteils sehr vertraut sind. Ich bin dafür bekannt, dass ich gerne mal übertreibe, aber ich denke, dass dies immer im Dienste des Songs geschieht. Manchmal muss man über das Ziel hinausschießen, damit ein Song abhebt und magisch wird. Dafür ist das Aufnahmestudio da.”
Er kehrt auch zu einem Trio seiner “größten Produktionshits” zurück, indem er “Relax”, “Slave to the Rhythm” und “Owner of a Lonely Heart” wieder aufgreift. Jetzt, da sie so lange her sind, fühlt er sich mit ihnen nicht mehr so emotional verstrickt wie früher.
“Ursprünglich wollte ich nicht zurückgehen und Songs machen, für die ich bekannt bin, aber man fühlt den Druck, sie zu machen. Es ist ein Album unter meinem Namen, also gibt es eine gewisse Erwartungshaltung, die großen Hits zu machen. Irgendwann begann ich mich zu fragen, ob ich nicht eine andere Richtung für meine alten Produktionen finden könnte. Relax' hat mich beim ersten Mal fast umgebracht, so sehr war ich darauf bedacht, etwas Einzigartiges zu schaffen. Dieses Mal wusste ich, wann ich aufhören musste. Die Aufgabe bestand einfach darin, eine weitere Pop-Fantasie zu erschaffen, als Teil eines abstrakten Songzyklus. Ich muss jetzt nichts mehr beweisen, so wie damals in den frühen 1980er Jahren”.
Als Echo auf die Zeit, als Horn die Buggles gründete, weil er nicht immer nur andere Acts produzieren wollte, zeigt er am Ende der Platte, dass er ein Produzent ist, der singt, und somit der Sänger war, der produzierte.
“Ich scherze, dass ich ‘Avalon’ singe, weil uns das Geld ausgegangen ist und ich geizig bin. Aber es geht um mehr als das. Ich arbeite ständig mit anderen Leuten zusammen, ich brauche die anderen Leute, aber es gibt immer etwas Persönliches in den Platten, die ich produziere. Auf ‘Avalon’ geht es um andere Dinge als die Pop-Romantik, die Bryan Ferry so gut vermitteln konnte, die Pop-Romantik, die ich feiern will. Da sind Erinnerungen aus meinem eigenen Leben, Liebe und Verlust, eine wehmütige Vorstellung davon, wie toll es gewesen wäre, wenn ich ein so cooler Frontmann wie Ferry gewesen wäre. Es ist wie das Ende der Show. Hier bin ich. Der Produzent, der Bandleader, aber auch der Träumer, der Performer. Ich melde mich ab. Für den Moment.
Danke fürs Zuhören.”